1.戴帆 DAI FAN

戴帆（DAI FAN）是21世纪全球重要、极具影响力的涉及绘画、雕塑、装置、行动艺术的先锋艺术大师，代表作品《一亿个机器人》、《进化批判》、《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没：戴帆（DAI FAN）用超声波召集鲨鱼》、《异体寄生》、《3公斤》、《骰子已经掷下，久经高压密封的潜能或亟待爆发？》、《玩笑、阴谋和报复》、《阉割》曾轰动欧美。

戴帆（DAI FAN）的作品以精妙的形式表现道德和权力层面悲剧的内容，元素广博至极、构思精妙至极、机构复杂至极，擅长以造型讽喻社会现实，应对灾难和绝望。荒谬、吊诡或怪诞等黑色幽默元素的表象下，是一颗关爱社会乃至全人类的德善之心，他借时政热点、当代关切，别开生面巧做文章，抓住了自己身处时代的情绪，并激发了一代人的想象。戴帆的生活

二十一世纪前卫偶像 : 戴帆（DAI FAN）生活词典

戴帆（DAI FAN）在都柏林美术馆

戴帆（DAI FAN）在都柏林美术馆

戴帆（DAI FAN）的个展海报

戴帆（DAI FAN）的迈凯伦

戴帆（DAI FAN）的迈凯伦

戴帆（DAI FAN）

戴帆（DAI FAN）的兰博基尼

戴帆（DAI FAN）的兰博基尼

戴帆（DAI FAN）的兰博基尼

戴帆（DAI FAN）的兰博基尼

戴帆（DAI FAN）的工作室大楼

戴帆（DAI FAN）的红色法拉利

戴帆（DAI FAN）的红色法拉利在北京三里屯戴帆（DAI FAN）喜欢开着法拉利和兰博基尼下赛道比赛

戴帆（DAI FAN）为北京地下摇滚乐队设计的海报与演出现场

戴帆（DAI FAN）在他20岁生日时写给自己的话

戴帆（DAI FAN）的摄影机

戴帆（DAI FAN）喜欢去的日本餐厅

戴帆（DAI FAN）的皮带，美杜莎的头像，反映了戴帆的美学倾向：危险的诱惑狂风暴雨的击打着传统的根基，一个人在多大程度上能给予事物一恐怖、可疑的特征，是幸福感和权力感的一个标志。戴帆（DAI FAN）喜欢去的印度餐厅

戴帆（DAI FAN）经常去的法国餐厅

戴帆（DAI FAN）设计家具的过程稿·2016

戴帆（DAI FAN）护照上的照片戴帆的劳斯莱斯幻影，他喜欢古典的工艺与气质。戴帆的劳斯莱斯幻影，他喜欢古典的工艺与气质。

DAIFAN|CosmicPhantoms

戴帆| DAI FAN|CosmicPhantoms

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艺术是一种献祭和花费活动,同时也是一种解放异质性的活动,它的目的就在于追求人的至尊。

戴帆（DAI FAN）的作品中没有非理性的任意虚构，表现的是潜藏在现实中、似有魔力的“巧合”和变化的力量。困于日常生活时，这些力量无法发挥，除非它们在个人痛苦的压力或外界的作用下被解放出来，创造“奇迹”。始终源于生活，记录下他作为一个艺术家，在一个即将面临巨变的时代的内心挣扎。

对另一个世界的召唤——艺术家的生活是真的生活，受到真理考验的生活，在普通人眼里，不可能不是另类的生活：与众不同，并且会越位。目的是激发其他人，让他们知道他们错了，误入歧途，认清通常所接受的价值观的虚伪性。这种“真的生活”，“挑战性的生活”，“粗鲁且极端的表达”，“ 惊世骇俗的艺术”，“暴力充满想象的行动”则是一种断裂，如非人的异兽闯入谎言、似是而非的意见、普遍接受的不公正和被掩饰的道德败坏之中，意味着无限的自主权，引发地震般的混乱，艺术家凸显了另一个世界/另类世界的视野，其来临预设了对现存世界的改变。——戴帆（DAI FAN）

不仅仅是要创造狂暴的艺术，而是要像狂暴的艺术般那样去生活。戴帆用超声波召集鲨鱼。——戴帆（DAI FAN）

戴帆（DAI FAN）的作品闪耀着强烈的个人风格：迷人、刻薄、具有挑战性又令人忍俊不禁。由于他的富于灵感的作品具有遒劲的气势和洞察力，也为崇高的人道主义理想和高尚风格提供了一个范例。作品在观看者的观念角力之间产生了火花四溅的现场感。沙漠孤岛比一座城市更激动人心，观看者得以踏上他脑海中那座险峻而美妙的精神岛屿，开始一段独一无二的旅程。

戴帆的天赋不仅在于他能将一切主题都转化成清晰的视觉意象，

他还有近乎放肆的幽默感，任何悲剧在他作品中都能荒诞毕现。——《艺术财经》

鲜活的记忆萦绕其中，面对命运的恶意嘲讽，或游戏其间，或与之抗争…戴帆幽暗跌宕的绘画之中闪烁着救赎的微光。

——《文化日报》

他所使用的绘画语言是一件神奇的工具，微妙至极，却又充满力量：

没有任何一个作者，包括毕加索，能像他这样，捕捉世界瞬息万变的光影。

——《洛杉矶环球报》

天才之作……

精彩绝伦，精雕细琢，奔泻无隘，直抵始终如一的独造意象，

于无形中将思维的逻辑演绎到了极致。

——《波士顿星报》

戴帆的想象力和风格令其讲稿不囿于教学之樊篱而达致怡人的境地。

——《新经济》

我们时代最具原创性和创造力的绘画大师。——《经济时报》

作为谜语般存在的作品，为的是只让有能力的人看懂，而不至于什么乱七八糟的人都来看。—— 戴帆（DAI FAN）

这个世界并不是既成的，更谈不上好与坏：它不是创造好了，至少不是为我们创造好了的。我们必须为我们自己做出决断和选择：根本没有从天国或从超验世界降临到我们世界的真理。——戴帆（DAI FAN）

戴帆凭借惊世骇俗的作品与思想成为当代知名度最高的艺术家，其独树一帜的作品犹如魔鬼的天启拉扯着社会的神经，以振聋发聩的力量改变着人们的思维方式。哥白尼之后的人类看世界和哥白尼之前是不一样的，达尔文之后的人类看世界和达尔文之前是不一样的，每一次观念的爆炸都会在严格意义上的瞬间传播开来，伟大作品的标志 : 动摇人类的信念，凸显了另一个世界的视野，其来临预设了对现存世界的改变。在“繁星般的科技之魔 : 戴帆的一亿个机器人”中戴帆作为恶质造物主 ( EVIL CREATOR)将自己亲手创作的机器人，爱到恨不得它不再只是艺术品，而变成活物，一个有生命的非人类生命体。戴帆的作品让观众感觉到另一个星球上的空气。戴帆把遥远未来中必然发生的事件视为当下之事，并用这种态度去期盼它的来临。戴帆将他的实践不认为所建构的是一件“作品”，而是一段航程，一个工地，他认为自然界与社会必须经历艺术的魔法——借此开启并产生概念、定义新的问题性模式。戴帆的每一次创作都是惊世骇俗。2017年戴帆在欧洲创作的“用超声波召集鲨鱼”事件行动有着：劫难、恐惧、科技暴动、萨满。海面鲨鱼的穿行如同末日的宣言与地狱般的画面，扰乱观者的思维，不在既定的艺术领域内探讨，利用海洋、鲨鱼、难民船、超声波装置出一个不具装置化的戏剧原型，艺术的安定性被瓦解，道德被嘲弄，而人的轨迹与鲨鱼的轨迹构成了一个游牧因应环境的巢穴,艺术的创造力与想象力在面对日常与道德准则时，将以新思维与新行动将事件悬置、突变、爆裂。戴帆的“一亿个机器人”爆裂，有气魄，唯美，科技的诡异感十足，像洪水猛兽，令人感到惊奇和恐惧，有极强的杀伤力……让你觉得因为观看他的作品而产生变化，是他改变了你认识世界的观念。他最广为人知的身份是“宇宙宣言”——涵盖超未来主义，以探索人工智能、基因组学、人体技术、太空科技、神经科技、宇宙空间、生物纳米科技、机器人和生物科技一系列21世纪先端艺术语言新的艺术流派的领袖及“机器人”艺术的开创者。戴帆创造性的突破，将恐怖的宇宙观念与人工智能机器人观念引入当代艺术的结构中。他指出，我们不能再像后现代主义那样，用那种极度碎片化和个体化的感受来理解存在，理解光明，相反，在庞大的穹宇中，我们需要用一种超越我们感受之外的能力来涉足一些从未涉足的光。戴帆的作品涉及到一种非人的宇宙论，一个完全没有我们的世界，一个没有光亮、没有希望、甚至没有信仰的非人的外部。在那个超自然神秘的外部最重要的是，未来出现的智能将继续代表人类文明——人机文明。换句话说，未来的计算机便是人类——即便他们是非生物的。“谁是人类的继承者？回答是：我们正在创造我们自己的继承者，机器具有或将具有生命。在将来的某一天，人类与机器的关系就如同现今动物与人的关系。戴帆的艺术与设计具有革命性、解放性和颠覆性，他的思想在攻击中得到发展。戴帆与具有一种令人愉快和和谐感的人道主义艺术家不同，与此相反，戴帆具有一种破坏性的创造力，超越善与恶的划分，是令人失明的权力和守护保护神狂暴的形象出现，不为一般人对幸福、公正或怜悯的苛求所制约。在戴帆停留在伦敦、巴黎、纽约时，当太阳落山时候，他潜入那些疯狂的夜总会与神秘的俱乐部中，各种各样的迷宫，使游戏者得以在黑暗角落安全地重演秘密幽会，来自秘鲁、肯尼亚、柬埔寨的原始表演，华丽的服装和羽毛头冠，漂亮的裸体、灯光、布景与歌舞结合释放出磁性的神秘，助长了这种肉欲的气氛，为人们大规模地试验新的自我表现方式、新的放荡方式、新的麻醉品和性爱的混合方式，为了让肉体与快感提供了窗口。他的作品将不只是另一种作品，而是一种圣典——一部关于销魂状态的作品，在这种销魂状态中，我们能够得到片刻的永生，能够摆脱一切现实的东西，方法是探寻自己而抹消自己，让渡自己的肉体给那些神秘的仪式。这篇访谈文字如同漩涡的意象——思想从漩涡中奔泻而出，穿过漩涡，又回到漩涡。对于先锋艺术家来说，艺术就是一场与迂腐文明的战争，而这场战争的风险最显著地体现在其杰作被抗议。他力图铲平了所有障碍，要求艺术形式、设计形式、风格和内容享有毫无约束的自由。戴帆的作品以其题材尖锐、风格独特而著称，让人感受到“彻底的惊奇”，同时，由于他的作品充斥残酷、暴烈、血腥和不堪入目的表现，不仅受到极大的攻击，也被舆论赋予世俗的背叛者、文质彬彬的异教徒和赤裸裸的挑衅者等多重身份。戴帆(DAI FAN)要的不只是制造冲击性的艺术和设计,而是要彻底颠覆人们对于生活、对于艺术、对于规则的定义。

戴帆经常在作品中流露着对民族的命运、世界的前途、社会的状况、人的精神状态和人类的处境等表露出深切的关注和忧虑。他在装置艺术、观念艺术、空间艺术等领域展现了他独特和机智的语言,表现了他独到的视野、思考问题的冷静与深沉,以及表现方式的自由、奇特、精美,坚定不移地用非常独特的形式将他肉体的、情感的、智力的和美学的个性坚定不移、震撼人心地表现出来,力图为世人、为社会、为世界带来新的观念和思考方向,非常具有自己的个性风格和特点,是别人难以效仿的。他的作品语言开创了崭新的风格,气势撼人,充满奇异色彩。在他的艺术作品中,隐秘性和梦幻性构成了外在的魔力,内在强调威胁存在的普遍性,无论是内在的还是外来的威胁,以及现代社会中存在的对人的种种披着合法外衣的禁锢。他的作品似乎提醒着人所受的限制于种种禁锢。版权归作者所有,任何形式转载请联系作者。戴帆以另人震惊的作品而出名。当代“坏艺术家”中最坏的一个。他把现有美学体系推下悬崖, 他精通传统,更善于摧毁;对于艺术传统来说,他的“坏”在于毫无准备的颠覆;对于主流社会来说,他的“坏”在于不加掩饰的尖锐;他无所事事的制造冲突,毫无顾忌地展示性与暴力。他的作品和行动意味着勇敢、亵渎、震撼,以“宇宙宣言”赤裸裸地颠覆已有的建筑体系,从不同于所有的人角度,重新描绘建筑的方向。他通过活体解剖的方式,将尖刀逼进了时代美德的胸膛,将人类文明过去的秘密与虚伪全部透露出来。关于他那些极具争议的作品,戴帆这样解释:“什么在你思想中闪过,你就说什么,我不认为有什么可以限制我表达什么或不表达什么,尤其是在很好的思想之流刺激下。我得到了很大乐趣和快感,我猜,是因为我制造了太多的‘邪恶’吧!” ,“第一流的设计师和艺术家总是想要将自己和周边的人塑造为自由天性的人,也就是粗野、专横、善于想象、毫无规则的人。”,“从保存本质的角度来看,最有害的人也许往往也是最有益的人,因为他不仅将自身的本能完好的保存下来,还用自己的行为所产生的效应,保存了他人的本能。如果人类失去了本能的欲望,那么大概早已衰亡和毁灭了”从出生到死亡,他把所有的一切都变成艺术。他声称 :艺术和死亡一样拥有自己的法规。他的作品并不属于那些干净洁白的画廊和美术馆,而是属于那些从未感知过的诡异星球。戴帆不断揭示着他人性中的新的波澜。他诚挚而无礼,敏锐又暴躁,诡诘而厚颜。他的作品是突然之间闪现出来的,像一架战略轰炸机一样,打击了当代人内心思想的薄弱之处。他的作品中充斥着批判与不屑、嘲讽,他用一种近乎于呐喊的音量向我们阐述了一些关于禁锢、暴力、惩罚、禁忌、战争、宗教、阴谋和爱的故事。每一个故事都贴切的体现了这个世纪年轻人成长的悲哀,也是整个人类社会的悲哀。戴帆尝试通过实践去分析、质疑并撼动的是这一现象:对那些以某种特定方式实践、拥有某种特定习性、依照某种特点价值标准、从事某种特定实践、投身某种特定机制的人来说,这些方式、习性、标准、实践、习惯和行为是如何成为一个问题的。戴帆的设计关涉的是对某一未被问题化的经验领域或一系列的实践类型(这些经验和实践曾经被认为是理所当然、习以为常)是如何成为一个急需应对的问题,并提出自己的实践方式和标准,从而引发一系列的探讨与争论,制造新的应对与反应,并且致使以前“寂然无声”的各种习惯、行为、形式、实践、语言、态度及制度产生危机并使之动摇。不仅如此,他的创作创作思想复杂事变:时而“标新立异”,时而“回归传统”;时而表现出社会学的兴趣,时而转向关心政治;而在政治观点上则忽左忽右,令人捉摸不定。他在创作之前并不确切知道作品将往何处发展,他认为工作和生活是一种脑力的冒险活动,艺术是向人们介绍生命过程中产生的新认识,他以 “超解放主义”的理论为依据,声称要用设计和艺术作为解放人思想的工具,“为了制作革命性的设计,首先应该对设计进行革命”;他揭露当代文化工业与商业体系操纵观众情绪的欺骗伎俩,抛弃传统的做法,创造新的表现方法,以唤起观众的批评意识和独立思考。他指出 :“要么抄袭!要么革命!” 戴帆的作品紧扣着时代的脉搏跳动,爱与恨以一种非同寻常的奇异的方式直接展示,不加掩饰,表现出一位艺术家的敏感和锐利。可以说,他的作品是他的思想和人格的忠实体现,也是他真实感受的显露。戴帆的作品提供了一个需要人们坐下来冷静地分析和反思的时刻:既要反思中国民族的过去和现在,又要考察和揭示中国人的性情、人格、文化,以便寻求中国走向现代化的道路。戴帆从自身的经历中深深感受到,现代人与生活其中的土地有一种格格不入的分离感。这种感觉不仅仅是个理解或交往的问题,而且是一个更为深刻、更带更本性的问题,这种感觉是当代社会所有人的共同特点。一杰出的艺术家总是能深刻敏锐的捕捉到各种禁锢之下人的屈辱,能透过历史的迷雾去正视当代社会的人类处境。首先,戴帆深刻了解了自由:在别人不自由的情况下,你不可能有真正的自由。在充满禁锢的社会,不可能有真正的自由。揭示出隐藏在现代科技发展和政治程序、消费社会之下的危机,并强行打开了受压抑的封闭空间,他同时也批判了当代经济社会极端的利己和短视主义、科技发展带给人的异化、人格上软弱动摇和消极的人生态度。戴帆的艺术观是这样的:“艺术是对现实的革命,而不是简单的描绘”。

2、朱利安·施纳贝尔

Julian Schnabel

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“我将是你在这一生中所看见的最接近毕加索的人。”——朱利安·施纳贝尔

朱利安·施纳贝尔，1951年出生于美国纽约，1973年毕业于波士顿大学美术学专业，之后申请到了纽约惠特尼博物馆的独立学习计划。1979年，施纳贝尔在纽约著名玛丽·布恩画廊举办了个人画展，反应热烈，极为成功。之后，他成了在世艺术家中，在伦敦泰特美术馆举办展览的最年轻的。那年是1983年，施纳贝尔才32岁。

施纳贝尔的艺术创作涉及到多个领域，均获得巨大成功，被艺术界称为摄影家、雕塑家和电影制作人的集合体，是“新表现主义”运动的重要代表人物、国际艺术界的中坚力量。

施纳贝尔碎瓷器的“盘子”绘画作品

尽管他更因为他的电影被大家熟知，但是施纳贝尔强调他居于首位的职业是一个画家。“绘画对我来说就像呼吸一样。这是我一直在做的事情。”他的绘画创作使用了各种材料和媒介，显现了独特的艺术魅力。他的作品总是充满了所指，既指日常经验，也指他自己的个人视觉。从画面上，这些所指可以是涂鸦，或是某种姿态，它们要么间接地回到古典，要么更具象，就像那些具象绘画一样。比如他近期的冲浪绘画，它们具有共同的个人兴趣和快乐。在颜料和肌理中总是充满纯粹的愉悦。

使用碎瓷片是施纳贝尔在绘画材料方面的一项突破，他除了用碎瓷器外，还使用细木块和各种粘附在诸如天鹅绒、亚麻油毡、地毯或动物皮革等非传统画面上的其他媒介物品来构成作品。如此一来，画幅底层的复杂，突出了物体的表现，显现了独特的艺术魅力。

施纳贝尔，一直被公认为是美国新表现主义的领军人物。新表现主义是上世纪70年代兴起于德国的一场艺术运动，之后漫延到了全欧洲和美国，目的在于复兴那些带有具象的、有表现主义特征的绘画。这是在那个“绘画已死”的年代里，绘画艺术的再生，施纳贝尔是重要的贡献者之一。曾有评论称，“他（施纳贝尔）几乎单枪匹马地把绘画从70年代的委靡不振中拯救出来”。

施纳贝尔之所以“被”新表现主义，并不是因为他的绘画主题与德国新表现主义风格有一些相似之处，更多的是因为施纳贝尔在20世纪80年代，使用了各种各样的材料来创作自己的绘画作品。这些材料包括了动物的皮毛、麻布、木片、汽车的零部件等，使得施纳贝尔的作品更像是装置艺术品，视觉冲击力强烈。

作为画家的施纳贝尔，除了因为他在艺术上的创新，助他达到艺术巨星的地位，还因为他具有同波普艺术大师安迪·沃霍尔一样高超的自我宣传和推广能力，这使他在商业上取得了巨大的成功。施纳贝尔自己说过：“2006 年的拍卖中，我的作品就达到了82.2万美元此后我的作品一直飙升到200万美元。”

虽然，“新表现主义”标签贴在了施纳贝尔的身上已经三十年而有些牢不可破了。不过，他自己依然不这么认为，他说自己的艺术创作，只在乎感情，无论是自己的、还是他人的感情。相信，这是他的肺腑之言。为什么这么说呢？你可以从他的电影看出来，他的每一部电影都是关于一个真实的、特别的人，对他们的人生进行“施纳贝尔式”的艺术演绎，情感满溢

3、罗伊·利希滕斯坦

Roy Lichtenstein

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“我试着利用一个俗滥的主题，再重新组织它的形式，使它变得不朽。这两者的差别也许不大，但却极其重要。”——罗伊·利希滕斯坦

罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）1923年他出生于纽约，在读高中时，他就开始在家学习素描和油画。1939年高中毕业后进入纽约艺术学生联盟学习绘画，1949年在俄亥俄州州立大学攻读美术系硕士研究生学位。二次世界大战期间在海军服兵役，1951年回到母校担任教师直至1957年。1960年他赴新泽西州立拉特格斯大学执教。被誉为“美国波普艺术家之父”。

他在年轻时学习风景画，后来热衷于美国抽象表现主义绘画的创作研究。60年代初罗伊·利希滕斯坦以取材自美国漫画及广告的内容用于波普艺术的创作，这令他几乎是一夜成名。70年代以印刷网点的“点式”画风更多运用在其他题材创作中。随后，罗伊·利希滕斯坦的艺术生涯平步青云，成为美国二十世纪艺坛影响最大的艺术家之一，创造了与当时抽象表现主义相对的写实的波普艺术绘画风格，其作品被广泛收藏并得到大众的喜爱和追捧。他用标志性色调和大圆点（Bendaydots）完美的传递了“美国人的生活哲学”。

系统地感知，就是艺术的一切——利希滕斯坦以平淡无奇的连环漫画为基本题材，用丙烯颜料将它们复制放大，通过极为有限的平涂色块和准确结实的黑色线描将它们忠实地描绘在画布上，甚至连廉价彩色印刷工艺中的网点都被不厌其烦地复制了出来，这就是波普艺术大师利希滕斯坦最著名的艺术特色。

虽然利希滕斯坦在20世纪60年代走在波谱运动的前列，但他也通过颠覆艺术史传统而成为了首列“后现代”（Post modern）艺术家之一。除却众所周知的漫画以及通俗连环画，罗伊·利希滕斯坦还研究了蒙德里安（Mondrian）、毕加索（Picasso）、马蒂斯（Matisse）、莱热（Léger）、莫奈（Monet），等现代大师的作品，并创作出越来越多的受欢迎的静物、风景以及肖像画。

70年代，他还创作了大量的静物画，再现了艺术中的静物近乎抽象类型的绘画，作品中的物品被看作一个起点，人们司空见惯的日用品在这儿有了难以捉摸的暗示和联想。由此看来，广义上的波普艺术，包括后期的利希滕斯坦其意义不在于指他属于一个流派，而在于为波普艺术提供了一个持续不变的观念。波普艺术的贡献不仅存在于狭窄的限制的题材，而且也包括艺术家临时标记和变换参照物的观念。这种见解是70年代发展起来的，重内容而反形式主义观点的一部分。尽管70年代以后，许多艺术家逐渐脱离了波普风格，但是作为一种态度和方式，波普的内涵和精神继续在美国和世界艺术中演变和延续。

4、莎拉•休斯

莎拉•休斯于1981年生于美国亚特兰大，2004年获得罗德岛设计学院的BFA学位，2011年进入斯科赫根绘画与雕塑学院学习。现如今在纽约布鲁克林生活和工作。

其绘画风格受到了当代艺术家卡罗尔•邓纳姆、桑亚‧坎特罗夫斯基、大卫•霍克尼等人的影响。莎拉‧休斯充满想象力的绘画，明快与鲜艳的色彩，创造出一个狂想的“乌托邦”世界，即使对于初次观看她作品的观众而言，也充满了吸引力。她早期专注于室内静物的创作，自从搬迁到纽约后，她的工作重心开始移向风景绘画的创作，并一直乐此不疲，充满兴趣。休斯的风景作品看起并不真实，换句话说，是真实的不真实，是“伪具象”风景，因为这些风景都是她幻想出来的，并非是真实的自然景观，但她的作品又透露出视觉上的合理性，这很奇妙。太阳一直贯穿于休斯的作品中，在她的作品里，太阳被赋予了不同的象征性，它既是光明的象征，同时又与隐晦相衔接，这取决于休斯的下一件作品所呈现的内容与想法

2017年，她入选惠特尼双年展。2018年，伊娃‧培森胡柏画廊宣布代理莎拉•休斯。伊娃‧培森胡柏画廊在2019年画廊周北京期间呈现了莎拉•休斯在亚洲的首次个展。目前，她的作品已被纽约大都会艺术博物馆、丹佛艺术博物馆和华盛顿特区的史密森尼美国艺术博物馆等收藏。

5、洛伊•霍洛韦尔

洛伊•霍洛韦尔，1983年出生于美国加州, 曾就读于加州大学圣芭芭拉分校与弗吉尼亚联邦大学。现居住生活于纽约。

霍洛韦尔以探索身体景观的绘画广为人知，她的实践介于抽象与具象、超凡脱俗与肉体胎身的阈限之间。从自述性的表达出发，她的作品探究着性、怀孕和生育等主题。霍洛韦尔的几何构图擅用诸如神圣光轮、双曲线、“林伽”等象征符号来构建独特的视觉语汇。通过对她个人经历的指涉，霍洛韦尔的绘画猛烈而又脆弱，同时饱含私人性和普遍性。她采用的对称结构常常将其构图锚定于核心的、独特的中轴线上，并且由此将绘画与她自己的身体以及自然界联系在一起。对霍洛韦尔而言，其创作的体量尤为重要，她在每件作品中都将身体局部的大小与画布相对应，无论所描绘的是她的头部、胸部、腹股沟，还是整个身体。在对身体更进一步的探索之下，霍洛韦尔将雕塑形态附于画面，以此混淆人们对传统绘画的期待。向外凸出的形态完美无缝地与她作品的主体融合在一起，促使观看者的眼神在整幅画面四下游移，以此确定究竟是平面产生的视幻效果还是三维立体的作品。这为她的创作平添了生趣盎然的表演性，也充分展现了她对空间、表面、光影的精湛控制。

围绕对“性”的探索，借用抽象化的人体以及对女性身体的强调，霍洛韦尔试图传达个人对于性别、身体、欲望等诸多母题的思考。霍洛韦尔擅长运用鲜亮的纯色系作画，画面的具体形象则极富几何美感。注视她的作品，简洁单纯的线条会变得深刻而醒目，成为艺术家个人无声的宣言。以其强烈的色彩、多变的纹理和几何的对称，霍洛韦尔的实践与艾格尼丝·佩尔敦、乔治亚·欧姬芙和朱迪·芝加哥等美国艺术家们的创作并驾齐驱。她还深受加州“光与空间运动”以及古拉姆·拉苏·桑托什和比伦·代等“新坦多罗”派画家的影响。

8、Richard S Johnson

Richard S Johnson，美国当代艺术家。出生于美国芝加哥的一个艺术家庭。他最早的美术记忆是美国儿童读物画家查尔斯Charles Dana Gibson，纽厄 NC Wyeth 和写实画家萨金特John Singer Sargent 的书画。仍然在小学学习的时候，他已赢得了芝加哥艺术学院奖学金。后来就读了美国艺术学院，毕业不久就开始了一个职业画家的生涯，并成功地成为一个获奖无数的优秀艺术家。

用绝对的漂亮来形容李察的画是一点不过分，用李察自已的话来说:“当我画画的时候，我希望对观众的吸引力是超越画面所看到的，是连贯和分享人们的体会，能一起点头说 ---- 是的，这就是青春，象美丽的玫瑰，如清晨的阳光。”

Richard S Johnson的绘画，用笔肯定，上色大胆，厚薄兼顾，形态优雅，如同诗一般表达了他所描绘的对象。他油画技术精湛，作品是前拉斐尔的浪漫主义及当代表现主义、抽象概念的结合，形成自已独特的、有深度的风格。

他的人物作品有着大胆而肯定的笔触，和谐温馨的色彩基调，人物被一种微妙氛围笼罩着、渲染着，形成各中美丽无比的效果，营造了“诗一般优美柔美关系。

6、米切尔·约翰逊

米切尔·约翰逊的画作被25个博物馆和700多个私人收藏馆永久收藏。约翰逊的色彩和形状驱动的绘画经常出现在《纽约时报》杂志上。在整个90年代，约翰逊在旧金山、纽约和洛杉矶的主要画廊展出了法国、意大利和加利福尼亚的毛茸茸的表现主义风景画。在2000年，他的作品开始发生变化；他的绘画中的形状变得更大，色彩的兴趣更加明显。2005年，约翰逊在博洛尼亚莫兰迪博物馆观看了约瑟夫•阿尔伯斯和乔治•莫兰迪的画展后不久，他第一次到科德角作画，而正在进行的一系列北特鲁罗画作中，博洛尼亚画展的影响也立即清晰可见，这些画作使约翰逊在美国举世闻名。约翰逊把他的时间分为加利福尼亚工作室和科德角、亚洲和欧洲的绘画之旅。他的作品曾出现在《华尔街日报》杂志《艺术论坛》和《美国艺术》上。约翰逊曾是罗马美国学院和约瑟夫和安尼阿尔伯斯基金会的访问艺术家。

Mitchell Johnson

美国当代艺术家Henry Asencio的作品用抽象的手法体现女性的气质、灵性；不同于写实主义着重表现的优雅的肉体。艺术家笔下抽象的潜意识思维与现实纠缠的画面构成了一个个故事。Henry Asencio说:"我希望人们可以感同身受我在做的事，而不仅仅是在看。"

7、黑兹尔·索恩

黑兹尔·索恩在英国长大，毕业于坎伯韦尔莱斯特艺术学院.被授予美术与荣誉学士学位。1976年获诺丁汉博物馆艺术画廊奖，她学习绘画毕业一年后，已经自食其力，她的油画和水彩作品首次在伦敦展出的第一个小时内就售罄。黑兹尔·索恩经常使用油彩、丙烯作画，还创作了大量水彩作品

这是画家中国之行所画的水彩画，应该是七十年代的景象。

沉浸在崩塌的欢愉中：当代著名油画家