动画绘制技法

三

各位读者，大家近来可好？最近我们制作组更新的《有鸣》纪录片正片，小短片和划水内容大家觉得怎么样？同样还有这个微不足道的专题系列文章，希望各位也能够喜欢。之前两期我们写到了不少动画制作的基本名词解释，虽然内容不少，但是尽是些相似内容难免会让人觉得无聊。不过根据《动画绘制技法》一书的编排，我们很快就能进入技巧一类的内容啦！还请稍安勿躁。现在，让我们继续系列专题的第三期吧！

制作动画之前需要知道影像知识

据我们所知呀，知识喜欢动画画面的人有很多，或者说是喜欢角色更甚于动画本身的那群人。虽然不是什么坏事，不过在前进一步的话，便会有更富乐趣的世界等你探索。为了让我们怀有做好一切的职业精神，首先先来学习一下基本知识吧！

用多大的画面，什么角度来看？（画面的种类）——关于镜头

首先要认识到相机的存在，脑海中要有镜头的概念。具象化起来就是只作画时可能不会注意到的电视画面安全框。不仅是动画，所有（影像）制作都要收到安全框内（也就是说不要超出去）。画面的安全框是统一而固定的，因此，通过改变画面内角色的大小可以制造出画面的张力。客观上则是能表现出不同的演出效果。总之，在考虑画面构成时，必须有“合适的角色大小”这种意识。这一环节的好坏会左右最后的演出效果。镜头的种类我们会在下一页中进行讲解。

镜头的种类

①远角镜头

从很远的距离来描绘画面。虽说表情和小动作很难看清楚，但是角色的走动，跑动，运动与距离都可以很好的表现出来。

②全身镜头

这是一种安全框正好将角色的整个身体都包括在里面的镜头。不用大范围的移动镜头，就能够充分地将身体姿态与动作表现出来。

③中身镜头

相比于全身镜头，角色更大了一些。面部表情也会更清晰。手部动作或者手提包一类的东西也可以入镜。

④腰身镜头

这种镜头很容易看清手部和上身的动作，不过下半身就看不见了。（这不废话吗）

⑤胸像镜头

这种镜头可以很好的平衡表情与周围的景象。在电视动画中，大多是用在角色只说话的时候。

⑥面部镜头

角色的面部占满框内的镜头。在强调角色表情与情感时常常用到。

⑦面容局部特写镜头

像是从框内溢出来的特写镜头。不仅能让观众看到，还能让观众感到画面的张力。

关于位置与角度的二三事

大家在画角度的时候，一般会使用什么角度呢？大多会使用偏左的7:3角度吧。习惯了这种角度的人可以很熟练的画出人物。不过，从下或上，左或右的角度来画又会如何呢？由于相机镜头会在角色周围不断运动，因此，镜头与角色的相对位置与角度也在不断变化。如何画出这些同样也需要学习。

仰视（アオリ）：从下方向上看的角度，可以表达观众对角色的强烈感情。

俯视（フカン）：从上向下方看的角度，可以营造出客观地观察角色的效果。

动作的长度（不同的动画用多少时间呢？）

首先要知道长度的单位是“卡”（cut，国内动画制作公司一般如此称呼）

与漫画里“一格”相似的，动画制作里也有“卡”（cut）的概念。也就是影像里一个个的画面。与漫画不同的是，画面的形状是规定好的（横纵比一定的矩形）。观众在一时间内只会看到一卡的画面。漫画的话，会把纸面根据不同的“格”进行分割，这种方法可以营造出想要的演出效果，而动画则是通过没一卡的镜头运用与角色表现来达到演出效果。。另外，漫画的每一格阅读速度是由读者决定的，动画影像的每一卡长度则是由演出决定好，在播放给观众的。因此，计算好每一卡的时间长度再完美承接起来是十分必要的。

下注：将单独的场面，情景和演出意图，分成每一卡，同时还会注上文字。这些卡合在一起被称为“场”。一场内往往会出现许多卡，这些卡内往往也会有几张（进行）动作的画面。（这一般是用来指示动作的。）

动画摄影的胶片没秒钟分为24帧（磁性胶片则是有30帧）。在实际影像中，其实每帧画面都有一些细微的不同，但由于动画片是一种消耗大量时间，而且每一帧都要用手绘的方法完成的工作。所以在制作电视动画的时候，让每一个画面都占用3帧也是件很普遍的做法。这样做的结果，既能大大节省工作时间，又能使动作连贯地表现出一种独特的利落感，而这种利落感，可以说是日本动画的特征之一。

《动画绘制技法》三